Triumph Of The Wheel

Estrenos: Sucker Punch

triumphofthewheel — Wed, 23 Mar 2011 13:45:23 +0000

El realizador Zack Snyder definió esta película como “Alicia en el país de las maravillas con ametralladoras”. Esta declaración es una estrategia porque podría haber nombrado por lo menos veinte películas que se parecen mucho más a la suya que la obra de Lewis Carroll. Es cierto que hay algo de la estructura del cuento de hadas en su forma un poco primitiva: cuatro secuencias independientes en la que se recuperan cuatro objetos “mágicos”. Más allá del encuentro prácticamente fortuito con el objeto, estas secuencias no cuentan nada: son prologadas luchas (casi todo el tiempo en “bullet-time”) que no tienen relación entre sí porque obviamente están pensadas como niveles en un videojuego. La relación con la secuencia general que las aglutina sin lujos es mínima y forzada (si en un nivel de la fantasía hay que robar un cuchillo de cocina, en el siguiente, que lo representaría metafóricamente como en un sueño, se trata de una bomba cuyo nombre clave es “cuchillo de cocina”). Tal como en “El milagro secreto” de Borges (o más precisamente, dado que se trata de Snyder, en un comic de Alan Moore que usa el mismo recurso), el relato transcurre en un segundo de “tiempo real” en la cabeza de la protagonista, Baby Doll (Emily Browning), de modo que todo es posible. Lo que podríamos llamar “realidad” (un periodo indefinido entre los 50 y los 70, es decir, lo que pasa por “retro”), que tiene a esta chica encerrada en un neuropsiquiatrico y a punto de ser lobotomizada, está dos o tres niveles mas abajo (depende si estamos en la fantasía o en la fantasía dentro de la fantasía; esto suena complejo pero no lo es). La narrativa torpe de la película, demasiado ocupada en hilvanar sus relatos dentro de relatos y en crear excusas para generar luchas cuerpo a cuerpo, no se ocupa de ofrecernos un vínculo emocional con la protagonista y sus compañeras de prisión: a Snyder le importa mucho más que luzcan extraordinarias y mostrarnos como pelean. Dado que parecen invulnerables, todopoderosas, no hay limites ni reglas para lo que pueden hacer y no sabemos casi nada ellas, lo que les pasa no nos importa demasiado. Ante las prolongadas escenas de combate no nos queda más que dedicarnos a admirar la dirección de arte digital y, cuando la novedad pasa, aburrirnos. Esta es la primera película del director basada en un guión propio, es decir, que en Baby Doll, que imagina todo el relato, se está representando a sí mismo como creador, aunque con mucha autoindulgencia ya que poco de lo que se ve en la pantalla se originó en su propia cabeza. La consistencia de 300 o Watchmen se debía a que Snyder se dedicó a copiar sesudamente lo que estaba en la página de la historieta. Sin un modelo específico, recurre al archivo de su memoria de lector de comics y espectador de cine, pero, tal como en los casos anteriores, sin tomar mucha distancia ni procesar demasiado las fuentes en las que abreva. En el corto rango que va de inspiración al plagio, aquí hay escenas de Brasil, El señor de los anillos, Matrix, Moulin Rouge y Sky Captain y el mundo de mañana, sólo por nombrar las más evidentes. En cada secuencia pareciera que Snyder quiere derrotar a todas las películas de acción barrocas de los últimos años en su propio juego (¡mejores movimientos de artes marciales que en Matrix! ¡Un combate con orcos más salvaje que en El señor…!) Lo que logra, en cambio, es un pastiche sin carácter, con muy malas actuaciones y totalmente fascinado consigo mismo. Una fascinación que no logra transmitir.

Estrenos: El Origen (Inception)

triumphofthewheel — Wed, 28 Jul 2010 20:28:41 +0000

A través de Twitter, William Gibson (autor de Neuromante y del ciberpunk) decretó que El origen era “la primera película de acción borgeana”. La concepción idealista del mundo como representación, la vacilación entre soñar o ser soñado, el tiempo subjetivo y los laberintos que cruzan la trama parecen darle la razón. Aunque también es una película gibsoniana: revisita la fusión del cuerpo con la tecnología, el robo de información de un mundo virtual y la megacorporación japonesa que persigue la dominación global. La referencias fílmicas también abundan (se dijo Kubrick, Matrix y hasta Bodas Reales de Fred Astaire y Stanley Donen). El repaso de las citas, en este caso, es más pertinente que un ejercicio de vanidad del crítico porque la película parece decirnos que la exposición y reproducción de las representaciones del mundo es el eje nuestra experiencia cotidiana. Dom Cobb (Di Caprio) se especializa en extraer por encargo información de los sueños de otros. Su nuevo cliente, Mr. Saito (Watanabe) requiere que, por el contrario, implante una idea en el heredero de una empresa rival. Cobb y su equipo de especialistas deben llegar al nivel de inconciencia más profundo de su víctima, lo que implica no sólo ingresar a sus sueños, sino a sueños dentro de sueños. Estructurada como un videojuego, la historia sucede en cuatro niveles de “realidad”, de sueño, paralelos, como si el inconciente fuera un conjunto de cajas chinas. La crítica, en general, expresó que estas escenas oníricas eran demasiado “literales”, muy poco oníricas, muy poco parecidas a cómo es en verdad un sueño. Lo cierto es que su “literalidad” no se funda en su parecido con la realidad, sino con el cine. Tal como señala un personaje, que pone en duda la realidad del protagonista haciéndole notar que experimenta demasiadas persecuciones, en los sueños de “El origen” se reviven escenas típicas de películas de acción. Esta “literalidad”, esta mímesis entre el sueño y el cine no sólo nos habla del cliché del cine como sueño colectivo, sino también de la naturaleza de nuestra experiencia: no hay un afuera de la representación, no hay una experiencia que no esté mediada por el cine, por la televisión, por otro relato acerca de ella. No se trata de saber si estamos o no en un sueño (la película se niega a definirlo) sino de que es imposible distinguir entre el sueño y la “realidad”, entre el referente y su representación. Para transmitir esta idea, Nolan elige, como acostumbra, un dispositivo narrativo muy complejo (la historia en cuatro niveles) que lo obliga a continuas actualizaciones de estado para no perderse en su propio laberinto. A diferencia de Memento (2000), en este caso la historia no nos reclama esta forma intrincada sino que Nolan recurre a ella porque sí, porque puede y su complejidad termina por desplazar nuestro interés de lo que cuenta. Pareciera que la pirotecnia narrativa quiere ocultar que la película no tiene un centro de gravedad: no hay una relevancia espiritual o emocional que haga que nos involucremos en el film desde otro lugar que el del asombro por sus proezas técnicas.

Una nota

triumphofthewheel — Fri, 16 Jul 2010 17:01:10 +0000

Estas fueron mis respuestas a las preguntas por qué andás en bici y qué bicicleta tenés, para una nota de una revista amiga.

Uno de mis primeros recuerdos, debía tener cinco o seis años, fue haber logrado escapar en mi bicicleta de un hombre desencajado que gritaba que me iba a matar porque yo… bueno, yo acababa de atropellar a su mujer embarazada (en realidad, la rocé apenas con el manubrio porque recién aprendía a andar en bici, no hubo heridos). Quizás esta escena inicial determinó mi relación con la bicicleta, que fue siempre instrumental. Para mí, la bicicleta es un medio de transporte: jamás salgo a “andar” porque sí, jamás pienso en vagos beneficios cardiovasculares o en reducir una hipotética huella de monóxido de carbono. Para mí la bicicleta es el modo más eficiente, cómodo, económico y enriquecedor de desplazarse por una ciudad. Es cierto que involucra cierto peligro porque, en Buenos Aires, ningún conductor espera encontrarse con algo diferente de otros autos. Varias veces impacté contra puertas que se abrían de golpe, varias veces quedé encerrado entre colectivos y alguna que otra vez me atropellaron. Cuando uno sale ileso, lo más insoportable de esas situaciones es la actitud del conductor que siempre tiene la certeza de que las calles fueron hechas para a su exclusivo beneficio y de que los ciclistas somos como extranjeros ilegales en el asfalto: no sólo nuestro derecho es limitado, sino que somos los únicos responsables de todo lo que nos suceda porque no tenemos por qué estar allí en primer lugar. La bicicleta es vista como un juguete, un divertimento o un aparato para hacer ejercicio cuyo lugar normal es un campo de deportes. Todo al revés. Las calles fueron construidas originalmente para los ciclistas: por 1890 hubo tal furor por las jóvenes bicicletas que los caminos comenzaron a pavimentarse por la cantidad de ciclistas. Quines usamos una bicicleta, esto no hace falta explicarlo, tenemos exactamente el mismo derecho que los automovilistas. Tal como dice el slogan de la Masa Critica: “no interferimos con el tránsito, SOMOS tránsito”. Esta letra con sangre (de ciclistas) hasta ahora no entró. Hace falta una mayor visibilidad de las bicis para lograr un cambio de mentalidad. Pero en Latinoamérica existe una gran resistencia a abrazar a la bicicleta como un medio de transporte. Creo que esto tiene que ver con que durante buena parte del siglo XX el uso cotidiano de la bicicleta estuvo ligado a la clase trabajadora. “Ladrón de bicicletas” muestra que, para un obrero, perderla es una tragedia, porque pierde su herramienta de trabajo. No hay nada que nuestra siempre amenazada, siempre agónica clase media aborrezca más que adoptar costumbres que la vinculen con la clase obrera. Los pobres se trasladan en bicicleta, la clase media fantasea con comprar o cambiar el auto, porque esto la afirma en el sueño del ascenso social o, por lo menos, la aleja del horror de ir al descenso. Por eso, para que la gente que tiene auto lo cambie o, al menos, complemente con una bici no hay que apelar a los argumentos de los beneficios para la salud, el ordenamiento del tránsito o el cuidado del medio ambiente, porque esto no le importa a casi nadie. Para que la clase media se vuelque a la bicicleta hay que demostrarle que es cool. El hecho de que la modelo Agyness Deyn haya sido fotografiada andando por Londres en su bicicleta hizo más por el ciclismo urbano que cientos de kilómetros de ciclovías. A esto apunta el llamado movimiento “Cycle Chic”, iniciado hace unos tres años en Copenague por el cineasta Mikael Colville-Andersen: desde su site (CopenhagueCycleChic.blogspot.com) y una gran red de afiliados (existe BuenosAiresCycleChic.blogspot.com) se intenta demostrar que se puede lucir muy bien andando en bicicleta. Los sites muestran fotos de ciclistas elegantes de todas las ciudades del mundo, ni uno sólo vestido con los detestados trajes de lycra del “deportista”. Estos ciclistas son urbanos, elegantes, jóvenes y modernos.

Mi bici y yo

Mi bici es una Pashley Guvnor. Fue fabricada a mano en esta compañía de Birmingham (www.pashley.co.uk) que se acerca a los 90 años y que es la proveedora de bicicletas del correo británico. Aunque parece un modelo antiguo en realidad tiene menos de cuatro años: la compañía decidió recuperar un diseño que guardaba desde los años 30 y crear una bicicleta moderna con componentes clásicos. Este tipo de bicicletas, con el manubrio “moustache”, se llaman “Scorchers” porque fueron las primeras diseñadas para correr. El cuadro es de acero Reynolds 531, una aleación histórica (si le decís esa marca a un bicicletero viejo vas a ver como le brillan los ojos) que, por décadas (se hace desde 1935), también fue el material con el que se construyó el chasis de los Jaguar. Si bien no es liviano comparado con los materiales de moda como el carbono, es mucho más resistente y durable. En la relación precio/calidad es imbatible. Es el material ideal para una bicicleta urbana, porque en éstas el peso no tiene ninguna importancia (a menos que uno tenga que subirla cuatro pisos por escalera). En general, la gente tiende a evaluar la calidad de una bicicleta levantándola: si es liviana es buena. Para una bicicleta urbana, lo contrario es lo verdadero: una bicicleta hecha para durar décadas, para resistir al agua, a los cambios de temperatura y a los adoquines es pesada (si es muy liviana es de mala calidad o ridículamente cara). Esta pesa unos 13 kilos. El asiento es otro clásico: es un Brooks B17 de cuero y titanio. Esta es una compañía, también de Birmingham, que hace asientos (solo de cuero) a mano desde 1870. Los asientos Brooks tienen muchas desventajas: son pesados, caros y necesitan mantenimiento, y una sola ventaja: en 140 años nadie logró hacer uno más cómodo. Esta bici tiene cambios internos Sturmey-Archer de 3 velocidades. Acostumbrados como estamos al descarrilador, estos cambios parecen una novedad, pero fueron un invento patentado por esta misma compañía de Nottingham en 1902. Los cambios internos no requieren mantenimiento y son los recomendados para una bicicleta urbana ya que, a diferencia de los cambios con descarrilador y piñones múltiples, permiten cambiar con la bicicleta detenida y, en consecuencia, arrancar con mucha más facilidad. Las llantas (color crema como las de las bicicletas de comienzos del siglo XX) son de la marca alemana Schwalbe, resistentes a las pinchaduras (aunque las calles de Buenos Aires demostraron que este claim no es del todo cierto). Lo único que agregué al combo original fue una computadora wireless marca Trek y una luz trasera marca Knog. Hay un club de dueños de Guvnor al que pertenezco (http://www.guvnorownersclub.com/) y, hasta donde sé, ésta es la única que llegó a Latinoamérica. Es una bicicleta elegante: el medio de transporte perfecto para un caballero.

Estrenos: Eclipse

triumphofthewheel — Mon, 12 Jul 2010 07:49:53 +0000

La franquicia de Crespúsculo, basada en una inocua serie de novelas de Stephenie Meyer, no es exactamente cine de terror o de género fantástico, es puro melodrama romántico que, incidentalmente, tiene a un vampiro y a un hombre lobo como co-protagonistas. El triángulo es la figura del melodrama: aquí lo completa Bella (Stewart) quien en esta tercera instancia se encuentra en la incomoda posición de elegir entre el misterioso vampiro de 109 años que todavía no logró terminar el secundario y el hiperactivo lobizón que tiene un incontenible fascinación romántica por sus propios abdominales. Como enseñan las telenovelas, en el momento que se consuma la pasión de los persojanes centrales se acaba el relato, de modo que Bella se pasa toda la película tironeada por su deseo de ambos pretendientes. Aunque su primer amor es Edward (Pattison), el vampiro no se la hace fácil, ya que se niega a hincarle sus colmillos hasta que estén casados, lo que provoca un gran desarreglo hormonal en la adolescente. El tema central de esta saga es la abstinencia sexual. Edward es centenario y célibe. Su “familia” enseña a contener los impulsos más intensos para los vampiros: la sed de sangre humana y el deseo sexual. La saga coincide en su postura con la religión y predica la abstinencia hasta el matrimonio. Como toda moralina, ejerce un demencial doble discurso: primero calienta los cuerpos (el calor corporal es un tema sobre el que se vuelve obstinadamente) y luego dice que hay que guardarse la calentura; utiliza la sexualidad como mercancía (la promesa del sexo entre los principales es el “gancho” del relato) pero le niega su poder liberador: dice que debe ser reprimida. Es un planteo retrógrado ya que elige poner la abstinencia como valor por encima de la responsabilidad sexual. La acción llega con la reaparición de Victoria (Howard), quien busca venganza por eventos de la primera parte y crea un ejercito de vampiros para matar a Bella. En el climax, vampiros y hombres lobo se alían para defenderla. Pero estas escenas son inconsecuentes. El grueso del metraje se va en la reiterativa e irritante indecisión de los protagonistas entre consumar o postergar su deseo. Este delgado y caprichoso conflicto hace que el relato se vuelva mecánico, lineal, predecible y, por todo esto, bastante aburrido.

Estrenos: New York, I love you

triumphofthewheel — Wed, 16 Jun 2010 19:59:50 +0000

Se dice que el cuento o la nouvelle son los formatos ideales para adaptar al cine ya que lo que distingue a la novela suele ser la elaboración de los detalles, que no puede ser volcada eficazmente a la pantalla. Si ver un largometraje, entonces, es más o menos como leer un cuento, ver una película de episodios sería como hojear una revista: reconocemos algunas caras, vemos por encima lugares, ropa, algún conflicto, alguna línea de texto, pero nada que nos invite a detenernos y concentrarnos en lo que se nos muestra. Este film (el segundo de una serie que empezó con Paris, Je t’aime) parece haber tomado su inspiración de O. Henry (quien situó buena parte de sus prodigiosos relatos en Nueva York): esto quiere decir que tiene una tendencia a los finales “sorpresivos” pero que, a diferencia de los de escritor, son siempre el mismo (el final con el protagonista-que-no-es-lo-que-parece). Los que no van por este camino apuestan al minimalismo y casi siempre pierden (ejemplo: al día siguiente de buen sexo casual, los amantes recorren la ciudad pensando en el otro, se encuentran por azar y se van juntos en un taxi, fin). La mayor parte de los directores son extranjeros en EEUU y eso se nota en la voluntad de plasmar la diversidad cultural de la ciudad. Pero estas buenas intenciones son aniquiladas en un instante por la actriz Natalie Portman (El perfecto asesino), que en su debut como guionista y realizadora, intenta desarmar prejuicios raciales tan torpemente que se le cuela un clasismo insufrible: una encantadora nenita rubia juega en una plaza con un morocho de piel oscura, dos mujeres (también rubias) lo observan y lo felicitan por ser un buen “manny” (aparentemente, la versión masculina de una “nanny”), luego este muchacho bien latino se encuentra con otra mujer rubia, evidentemente la madre de la nenita, quien se la lleva; corte al morocho bailando magistralmente sobre un escenario: en primera fila está la nenita que aplaude y grita “¡Bravo, papi!”. Más allá de la obviedad, el problema es que la ex estrella infantil elije criticar el típico prejuicio de esas madres de propaganda de pañales (para quienes el latino sólo podía ser el empleado de la familia rubia) mostrando que el joven no era sólo un morocho (ni un “manny”) sino un Artista. Si se hubiera dedicado a vender panchos en la 5ta avenida algo me dice que Natalie las hubiera justificado plenamente.

Estrenos: Sex and the city 2

triumphofthewheel — Wed, 02 Jun 2010 00:01:34 +0000

“El lujo es vulgaridad” cantaba el Indio Solari y uno puede pensar que ese es un dictamen psicobolche, sentencioso y complaciente, hasta que ve esta película. Para decirlo rápidamente: es estúpida y ofensiva, claro, esto es esperable, pero ni siquiera logra funcionar como un catálogo de un shopping que muestra a su publico específico (mujeres heterosexuales y hombres gays) un mundo de fantasía donde está permitido ser indulgente con los más fabulosos caprichos de consumo. Lo llamativo aquí es que para un film dedicado a exhibir objetos de súper lujo, tiene un mal gusto superlativo. ¿Quién quiere tener un baño que rivalice con el Olimpo de Furia de Titanes? Paradójicamente su torpeza la vuelve una exhibición de la trampa del consumismo: la única cualidad que haría deseables las mercancías que se exhiben aquí es que están fuera de nuestro alcance. El lujo es, entonces, imbecilidad. En efecto, las protagonistas son cuatro imbéciles cuyos problemas reales (aquí no hay ironía) son que el marido de una (Carrie) no quiere ir a más avant premieres o que el bebé de otra (Charlotte) le manchó un Valentino con salsa. Se supone que el tema de esta segunda parte es cómo conservar la llama tras el matrimonio. Esto es establecido en el comienzo, con una boda gay que luce como si todos hubieran muerto repentinamente para aparecer en el cielo de Roberto Piazza. El tópico trillado (el amor después de…) pero que podría haber dado pie a un argumento es rápidamente abandonado en favor de situaciones como las mencionadas antes. Como se asume que los zapatos importan más que el diálogo, los personajes hablan con pésimos one-liners (“es el Lawrence de mi labia”) y la trama es una sucesión injustificada de locaciones y cambios de ropa. El segundo acto transcurre en Abu Dhabi, donde el mundo árabe es observado con la misma vacuidad (bajo el chador, ellas tienen Chanel) que todo lo demás. Antes que racista, esta película es impermeable al pensamiento. Hay que verla como una remake de Escenas de la vida conyugal, sólo que escrita y dirigida por Ricardo Fort.

Estrenos: Samarra (Redacted)

triumphofthewheel — Wed, 12 May 2010 05:48:49 +0000

Esta película parece salida de la necesidad de Brian De Palma de exorcizar su propia cólera ante las atrocidades cometidas por las tropas norteamericanas en la guerra de Irak antes que del deseo de contarnos algo que no sepamos de un modo que no hayamos visto antes. La película no sólo parece una remake de su film de 1989 Pecados de guerra, sino que el mismo De Palma reconoció que obtuvo toda la información para escribir el guión de búsquedas en Internet. El realizador arma su relato como un collage de formas y fuentes: registros de la cámara hogareña de un soldado, (falsas) coberturas de noticieros, un (falso) documental francés sobre el accionar de la fuerza invasora en Irak, puntos de vista de cámaras de seguridad y (falso) metraje hallado en internet. La diferencia entre Pecados… y este film es que pasaron 18 años y aquí el realizador se permite el optimismo de insinuar que la “revolución” digital ha democratizado el acceso a la información: muchísima gente tiene cámaras, muchísima gente tiene acceso a internet, en consecuencia, el “cover up” que fundó la ficción paranoica de la guerra fría no sería posible. En su lugar aparece una suerte de efecto Rashomon: cualquier evento quedaría multiplicado en versiones ligeramente divergentes pero accesibles (noticieros, cámaras ocultas, videos caseros, internet, etc). La paranoia ya no tendría origen en todo lo que sospechamos que nos ocultan sino en tratar de dilucidar qué cosa de todas las que sabemos es digna de crédito. De Palma detecta esto y lo expone, pero sin reflexionar acerca de cómo es representada la guerra en los diferentes medios y qué efectos tienen los intentos de control de la información en este nuevo estado de cosas. A pesar de que el titulo original, “Redacted”, refiere a la revisión que hace el Estado de los documentos que se liberan a los medios (no es una “redacción”, sino una suerte de edición de los contenidos), esta práctica no aparece en el film. Más bien la película se presenta como el antídoto ante este ejercicio. Con su punto de vista múltiple, Samarra intenta dar cuenta de la totalidad y reponer, como dice un personaje, la “verdad” perdida en la guerra. Su estética (no del todo lograda desde la realización) de “found footage” afirma su vínculo con la realidad y la presenta como un documento libre de manipulación alguna. Sin embargo, desde fuera de la trama, sin que el realizador tenga ningún control sobre ello, la “edición” metió la cola: el film concluye con una serie de fotografías de las víctimas reales de los hechos de violencia narrados, pero aparentemente la distribuidora Magnolia se opuso a que se muestre a los muertos y optó por tapar todos sus rostros. Esto, desde luego, socava desde adentro el proyecto del realizador: ese gesto final es el reverso del que se ve al comienzo en el que una fibra tapa el texto del disclaimer que dice que lo se va a ver es una ficción, insinuando que no lo es; al final, otra fibra tapa las caras de muertos reales, reinstalando lo que De Palma intentó expulsar: la manipulación del contenido, la “edición”, acaso demostrando por las malas que tal cosa es inviable. Por otro lado, su ofuscación ante los horrores perpetrados por su país quizá haya hecho que descuide aspectos que, ante la monstruosidad de lo que se narra, puedan parecer accesorios: ni desde las actuaciones, ni desde la realización se sostiene la pretensión de “realidad” del film (los videos youtube son demasiado prolijos y las actuaciones, sobreactuadas: parecen un sketch de tv). La aparición de clichés dolorosos (los soldados más feos son los más malos) nuevamente nos reenvía a la ficción: son cosas sacadas del mal cine bélico. No caben dudas de que la bronca de De Palma es real y de que sus intenciones son buenas, pero su denuncia es poco convincente porque la forma que elige tiende a expulsarnos y porque no creó un vínculo concreto de estas atrocidades con la política de su país que las arranque del terreno de la excepción.

Estrenos de cine: Desde mi cielo (The lovely bones)

triumphofthewheel — Sun, 07 Mar 2010 06:45:13 +0000

El nuevo film de Peter Jackson (El señor de los anillos, King Kong) es una adaptación del best seller de 2002 de Alice Sebold que relata la violación, asesinato y desmembramiento de una chica de 14 años por un asesino serial, el proceso de desgarro y lenta recuperación de su familia tras la pérdida y la continuación de la apacible vida del criminal, tal como son vistos por la propia víctima desde el lugar “en el medio” entre el cielo y la tierra. En este limbo no solo habita la conciencia de esta adolescente sensible, romántica a imaginativa, sino también las fantasías más autoindulgentes y la imaginería más cursi de la carrera de Jackson. El lugar al que vamos después de morir es, en efecto, un gran campo de trigo mecido por el viento, con infinitos atardeceres anaranjados, mares azules donde navegan barcos embotellados y glorietas que flotan en el espacio… digamos, el punto medio entre un almanaque de panadería y la tapa de un disco de Yes. Toda esta barroca vulgaridad podría ser aplacada por una historia cautivante o una idea que la justifique (de acuerdo, es el cielo que se imagina una adolescente de los 70, pero no basta). La película nunca termina de decidir una dirección: el largo primer acto que nos muestra la vida de la víctima acumula tensión para un momento que nunca sucede (el crimen está elidido) y el resto del film nos deja a la deriva, como si compartiéramos el limbo de la protagonista. Vemos como sigue la vida en la tierra y como la añora la chica desde el más allá… ¿Y? Está claro que se nos está hablando de la división entre cuerpo y espíritu (tal como la sufre la protagonista cuando observa dolorosamente a quien podría haber sido su novio) y de como está escansión se reconcilia en el amor (tal como aprendimos gracias a Ghost), y también del despertar sexual y de la culpa (la chica muere la noche de su primera cita romántica) pero todo este “mensaje” no alcanza para justificar una forma y un relato fuera de control. Y todo esto sin ponernos tan detallistas como para preguntarnos si no hay algo monstruoso en un relato que nos dice que las chicas violadas y asesinadas van al paraiso.

Estrenos de cine: Sector 9 (District 9)

triumphofthewheel — Sun, 07 Mar 2010 06:43:16 +0000

La nave extraterrestre llegó a nuestro planeta en 1982 y se estableció sobre Johannesburgo. Más de veinte años después, sus pasajeros, la cruza exacta entre un grillo y un langostino pero de 1.90 de alto, viven en una zona de cuarentena, con casas muy precarias, llamada Sector 9, que tiene pocas diferencias con una villa de emergencia argentina y menos aún con el Sector 6, un distrito de Cape Town habitado por negros que, durante el apartheid, fue evacuado por la fuerza para convertirlo en una zona de residencia exclusiva para blancos. Esta película, rodada en un estilo de falso documental, se inicia con un episodio análogo: el intento de relocalización de los alinenígenas a otro sector más separado aún de la población humana. Uno de los oficiales a cargo del operativo, Wilkus Van de Merwe (Copley), que festeja el ruido a pochoclo que hacen los bebes alienígenas cuando son incinerados, se rocía accidentalmente con un fluido negro que muta su ADN, empezando por un brazo. Acto seguido, tanto la agencia gubernamental a la que pertenece como los gangsters nigerianos que trafican con los aliens lo persiguen para viviseccionarlo y apropiarse de su código genético dado que tras la mutación es el único humano capaz de activar las extrañas armas alienígenas. El único lugar donde Wilkus puede refugiarse es justamente, el sector 9, donde un alien, el mismo que creó el fluido para sus propios fines, le brinda su ayuda. La película no hace ningún intento de disimular su alegoría: es una historia de ciencia ficción sobre el apartheid (o, de modo mas general, cualquier forma de segregación) y su reverso, la hospitalidad. Como en La Mosca de David Cronenberg, aquí el protagonista debe hospedar al otro dentro de sí y al hacerlo, al otorgar la forma máxima de hospitalidad a un extranjero, se vuelve un ser humano, más allá de su aspecto físico. Si bien el humor no siempre funciona, la trama tiene algunos agujeros y el tercer acto no es mucho más que un prolongado tiroteo, esta es una de las películas de ciencia ficción mas inventivas de los últimos años.

Estrenos de cine: Zack y Miki hacen una porno.

triumphofthewheel — Sun, 07 Mar 2010 06:28:47 +0000

Aunque no tenía una sola escena de sexo, Cajeros, el debut de Kevin Smith, recibió en Estados Unidos, la calificación NC-17, la misma que reciben las pornos, sólo por su lenguaje. Hay que decir que este nuevo film iguala la inventiva léxica de aquel para la descripción gráfica de actos íntimos. Esta película, sin embargo, es apta para adolescentes, el que, en definitiva, es su público específico. Y es que pasaron casi dos décadas y aquello que resulta socialmente aceptable cambió un poco, aunque Smith, ya cerca de los cuarenta, parece seguir pensando que las referencias sexuales son una forma de ruptura. Algunos de sus chistes dan en el blanco, es cierto, pero la mayoría se sienten forzados, como si la referencia sexual o escatológica fuera un mérito en sí misma y a mayor vulgaridad correspondiera directamente a mayor gracia. Las películas de Judd Apatow, de las que Smith toma aquí un modelo de personaje y también sus principales actores, muestran un balance más logrado en el mismo terreno. Smith quiere hacer una película transgresora y ofensiva pero con el corazón de oro, y le sale una película profundamente conservadora, no por el romanticismo que inyecta en la historia (el argumento: Zack y Miri son una pareja de amigos que descubren que están enamorados cuando tienen sexo en una porno que hacen para pagar las cuentas), sino porque termina diciendo que el mejor sexo es el que ofrece una relación estable. Claramente, para Smith, es el sexo es algo prohibido (por eso invocarlo es una trasgresión), en vez de liberador.